Appropriationismus

Die Aneignung ist eine künstlerische Bewegung, die den Prozess der Aneignung folgt. In der bildenden Kunst, bezieht sich der Begriff Eigentum oft auf die Verwendung von Elementen für die Schaffung einer neuen Arbeit aufgenommen, ob Malerei, Skulptur oder Poesie.

Diese Elemente können entnommen werden Bilder, Formulare oder Stile der Kunstgeschichte oder der populären Kultur, Materialien oder Techniken oder von einem nicht-künstlerischen Kontext erhalten. Seit den 1980er Jahren der Begriff bezieht sich auch speziell auf die Tatsache zu nennen, die Arbeit eines anderen Künstlers, eine neue Arbeit zu schaffen. Die Arbeit darf nicht zu verändern oder Originalarbeit. Obwohl die Anhänger von Walter Benjamin und sich selbst klargestellt, dass die Reproduktion eines Kunstwerks beinhaltet den Verlust seiner primitivsten Aura, aber dennoch wird die Aneignung und die Ableitung der ursprünglichen Arbeit eine neue Aura zu produzieren und das ist, was wirklich bemerkenswert.

Geschichte

Die Mittel, die eine oder andere Art und Weise, war schon immer Teil der menschlichen Geschichte. Die Kunstgeschichte hat eine lange Tradition der Kreditaufnahme und den Einsatz von Stilen und bisher bestehenden Formen. Kunst Studenten haben immer von etablierten Künstlern gelernt und durch die Kopie fortgeschritten ist. Kunst und visuelle Kultur begann mit der Aneignung, die Bilder, Klänge und Konzepte der Welt und interpretiert sie auf künstlerische Weise.

In der Tat, die Aneignung, bereits im Mittelalter auch in der Musik, die durch das Kopieren zusammengesetzt war, mit geringfügigen Abweichungen in anderen bestehenden Werke verwendet. Leonardo da Vinci verwendet die Mittel, mit verschiedenen Quellen auf dem Gebiet der Biologie, Mathematik, Technik und Kunst, um alle in Erfindungen und Kunstwerke zu synthetisieren. Charles Darwin untersucht, aufgezeichnet und verbreitet reframed vorhandenen wissenschaftlichen und biologischen um seine Evolutionstheorie zu beweisen.

In den frühen zwanzigsten Jahrhunderts, Pablo Picasso und Georges Braque eingebaut nichtkünstlerischen Objekte in ihren Werken. Im Jahr 1912 steckte Picasso ein Stück Gummi auf einer Leinwand. Später arbeitet als Gitarre, Zeitung, Glas und Flasche sind 1913 Zeitungsausschnitten, schaffen sie Formen immer die Präliminarien des synthetischen Kubismus. Beide Künstler integriert Aspekte der realen Welt in ihrer Arbeit, was zu einer Diskussion zwischen der Bedeutung und künstlerische Darstellung.

Fünf Jahre später, im Jahre 1917, führte Marcel Duchamp die Idee der fertige, Putting ein Urinal auf einem Sockel, signiert "R. Mutt". Urin war weder originell noch einzigartig, Duchamp verteidigte seinen kreativen Prozess in der Tat wählen Sie das Urinal als Kunstwerk und zeigen Sie sie im Kunstkontext. Er verwendet auch eine Kopie der Mona Lisa in seinen LHOOQ, diese fertig gemacht, es war, den Betrachter einzubeziehen und damit Ihre Beobachtung wird in der Ausstellung beteiligt sein wird als ein Kunstwerk. Dada war Duchamp eine der Bewegung setzte sich mit der Aneignung von Alltagsgegenständen Mitglieder, aber ohne zu versuchen, um den Status der Alltagsgegenstände zu Kunstobjekten zu erheben. Es wurde mehr auf einer Art von Kunst, in dem Zufall und Zufälligkeit bildete die Grundlage für den kreativen Prozess. Künstler wie Hugo Ball, Hans Arp, Hans Richter, Richard Huelsenbeck, André Breton, Tristan Tzara und Francis Picabia waren Teil der Dada-Bewegung, die Unterstützung der Irrationalität und absichtlich die Ablehnung der Technik geltenden Normen so weit.

Die Surrealisten auch die Verwendung von Fundstücken eingearbeitet, ein Beispiel ist das Werk von Meret Oppenheim Object. Objekte nahm eine neue Bedeutung, wenn sie mit anderen Objekten kombiniert unwahrscheinlich.

Im Jahr 1938 produzierte Joseph Cornell wohl die erste Filmarbeit der Aneignung. Er schnitt und rekonstruiert den Film Rose Hobart nach dem Zufallsprinzip. Diese Arbeit später inspirieren mehreren Videokünstlern.

In den 1950er Jahren Robert Rauschenberg verwendet zu kombinieren, was er buchstäblich die Kombination von vorgefertigten Objekten, wie Reifen, Betten, Gemälde, Drucke, Collagen und Fotografien. Ebenso Jasper Johns, Rauschenberg gearbeitet, während in seine Arbeit integriert Fundstücken. Johns eignet auch die symbolischen Bilder, wie der amerikanischen Flagge.

Die Fluxus-Bewegung verwendet, auch die Mittel: seine Mitglieder gemischt verschiedenen künstlerischen Disziplinen, einschließlich bildender Kunst, Musik und Literatur. Während der 1960er und 1970er Jahren organisierten sie Aktionen, künstlerische Veranstaltungen und produzierte kleine Skulpturen mit unkonventionellen Materialien. Die Gruppe angeeignet sogar das Postsystem in der Entwicklung von E-Mail oder Post Kunstwerke. Seine Auftritte haben versucht, die Banalität zu erhöhen, Aneignung als künstlerisches Element und Trennen der Hochkultur.

Zusammen mit Künstlern wie Roy Lichtenstein und Claes Oldenburg, eignet Andy Warhol Bilder der kommerziellen Kunst und Populärkultur, und Techniken dieser Industrien. Oft als Pop-Künstler, sah die Masse der populären Kultur als Hauptkultur Volkssprache, die von allen geteilt, unabhängig von der Erziehung des Volkes. Diese Künstler erfasst die vom Massenkultur produziert ephemere Konzept.

Im Jahr 1958 Bruce Conner produziert die einfluss Ein Film Filmclips in verschiedenen anderen Filmen rekombiniert, um einen neuen Job, wo die Neigung der Menschheit zur Gewalt wird analysiert, zu produzieren. Gleichzeitig nahm Raphael Montanez Ortiz in der Destructionisme Bewegung, in denen Objekte und Filme werden geschnitten, stieg ab, verbrannt und teilweise zerstört, um Platz für neue Kunstwerke zu machen. Im Jahr 1958 Ortiz hergestellt Cowboy und Indianer-Film, einen Film ganz auf die Verwendung der Basis.

Im späten 1970er Dara Birnbaum arbeitete mit der Zuführung zu den Werken der feministischen Kunst zu produzieren. Zwischen 1978 und 1979 produzierte er eines der ersten Mittel Video. Technologie Transformation: Wonder Woman, demdie eignet Szenen Wonder Woman TV-Serie, ein neues Werk zu produzieren.

Der Begriff Mittel wurden in den 80er Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts verwendet, von Künstlern wie Sherrie Levine, der ENN den Akt der Aneignung in den Mittelpunkt seiner künstlerischen Arbeit gerichtet. Levine gesamte arbeitet oft in ihrer Arbeit zitiert, wie das Fotografieren Bildern von Walker Evans. Levine in Frage gestellt, die Ideen von Originalität, die Aufmerksamkeit auf die Beziehung zwischen Macht, Sex, Kreativität, Konsumismus und der Wert der Waren, Macht und soziale Nutzungen der Kunst. Levine spielt mit dem Begriff der "nahezu gleich". Während der 1970er und 1980er Jahre kehrte Richard Prince zu fotografieren Anzeigen wie Marlboro-Zigaretten oder Werke des Fotojournalismus. Prinz wollte über Fragen im Zusammenhang mit den Materialismus und die Idee der Show in der Erfahrung selbst Bezug stehen zu sprechen.

Die Aneignungs Kommentar zu allen Aspekten der Kultur und Gesellschaft des zwanzigsten Jahrhunderts. Joseph Kosuth eignet Bilder auf Fragen der Philosophie und Erkenntnistheorie zu diskutieren. Andere Künstler wie Jeff Koons, Barbara Kruger, Greg Colson und Malcolm Morley auch die Frage der Aneignung in ihrer Arbeit.

In den 1990er Jahren setzte die Künstler, um die Mittel zu verwenden, sie als ein Mittel, um die Theorien und soziale Probleme anzugehen, anstatt sich auf ihren eigenen Film obras.Damian Loeb verwendet werden, um den Unterschied zwischen Simulation und Realität zu analysieren. Weitere Künstler der 1990er Jahre wie Christian Marclay, Deborah Kass und Damien Hirst auch verwendet diese Technik. Es gibt Künstler, die zu übernehmen und beide künstlerischen und nichtkünstlerischen Objekte. Zum Beispiel enthält Cory Arcangel nostalgische Aspekte der Massenkultur durch die Neuentwicklung von alten Videospielen und Computerprogrammen. Andere zeitgenössische Künstler wie die Chapman-Brüder, Benjamin Edwards, Joy Garnett, Paul Pfeiffer und Pierre Huyghe jeher die Grenzen der Mittel zu untersuchen.

Aneignung und Urheberrecht

Diese künstlerische Praxis oft Probleme oder Diskussionen über die Wahrnehmung von Urheberrechten erstellt. Die Vereinigten Staaten sind das Land, wo sie mehr Beschwerden und Klagen darüber generiert haben. Die Rechtsprechung ist, die Trennung zwischen der Umbauarbeiten und abgeleitete Werke zu untersuchen. Viele Länder folgen dem Beispiel der USA in Richtung einer restriktiveren Autorenrechte.

Bereits in den 50er und 60er Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts, Andy Warhol, um eine Reihe von Klagen von fototografías in seiner Siebdrucke verwendet konfrontiert. Patricia Caulfield, ein Fotograf, hatte ein paar Fotos von ein paar Blumen für ein Magazin gemacht, und im Jahr 1964 Warhol säumten die Wände der Galerie von Leo Castelli in New York mit Siebdruck Reproduktionen der Fotografie von Caulfield. Nachdem ich ein Poster von ihrer Arbeit in einer Buchhandlung, behauptete Caulfield Eigentum des Bildes. Warhol geschafft, eine außergerichtliche Einigung zu erreichen, so dass Caulfield Lizenzgebühren für die zukünftige Verwendung des Bildes sowie zwei Gemälde.

Auf der anderen Seite, das berühmte Gemälde Dosen Warhols Campbell-Suppe in der Regel nicht als eine Verletzung des Urheberrechts angesehen, wenngleich deutlich sehen, die Dose, weil Kunstwerke und Suppendosen sind keine direkte Konkurrenz, nach Anwalt Jerome Gibson, I Branding-Experte.

Jeff Koons hat sich auch wegen ihrer Arbeit konfrontiert Fragen des Urheberrechts. Fotograf Art Rogers Klage gegen Koons für die Verletzung von Urheberrechten im Jahr 1989. Die Arbeit von Koons, String der Welpen war eine dreidimensionale Wiedergabe einer Fotografie in Schwarz-Weiß Rogers Koons hatte auf einer Karte zu sehen Karten in einem Flughafen gekauft. Der Künstler behauptete fair use und Parodie in seiner Verteidigung, aber Koons verlor den Prozess. Im Oktober 2006 hat Koons einen weiteren Versuch mit dem Argument des fair use. Durch eine Kommission von sieben Experten in der Malerei Guggenheim-Museum in Berlin, wurde Koons zum Teil auf einer Fotografie von Andrea Blanch gemacht wurden genannt Silk Sandalen von Gucci und im August 2000 in der Zeitschrift Allure veröffentlicht. Koons nahm das Bild der Beine und Sandalen Diamant Foto und verwendet es in seinen Gemälden Falls, der auch drei Paaren von weiblichen Beine über einer surrealen Landschaft hängen. In seinem Gericht Einreichung, Rechtsanwalt Koons, John Koegel, sagte, dass Niagara war ein Kunstwerk, komplett neu. Der Richter befand, dass diese Arbeit war ein "transformative use" Blanch Fotografie, so nicht zu ersetzen oder das Doppelte des ursprünglichen Ziels, schrieb der Richter, "aber als Rohstoff in einer neuen Weise verwendet werden, um neue Informationen zu erstellen , eine neue Ästhetik und neue Ideen. "

Im Jahr 2000 hatte die Damien Hirst Skulptur Hymn, Charles Saatchi eine £ 1m Vertrag gekauft) wurde auf der Messe Ant Geräusche von der Saatchi Gallery ausgestellt. Hirst wurde für Urheberrechtsverletzungen auf dieser Skulptur verklagt. Hirst hatte bis 6 Meter in der Höhe erweitert und mit einem Gewicht von sechs Tonnen ein Spiel der Anatomie von einer Spielzeugfirma, die ihn denunziert. Hirst bezahlt eine nicht genannte Summe zwei Wohltätigkeitsorganisationen und Nationwide Children Toy Vertrauen in ein Geschäft aus dem Gericht gemacht.

Derzeit gibt es Creative Commons-Lizenzen, die Sie das Copyright Ihrer Arbeit nach Ihren Interessen verwalten. Allerdings hat der Autor des Werkes noch voll geistigen Eigentumsrechte, um es für die einfache Tatsache, dass sein Schöpfer. Kurz gesagt, erlaubt Creative Commons: Anerkennung der Urheberschaft, begrenzte kommerzielle Nutzung, Ermächtigung zum abgeleitete Werke zu erstellen und mit anderen teilen gleichermaßen.

  0   0
Vorherige Artikel Dryocopus
Nächster Artikel Filmkunst

Kommentare - 0

Keine Kommentare

Fügen Sie einen Kommentar

smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile smile smile smile smile
smile smile smile smile
Zeichen übrig: 3000
captcha